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Réservé aux abonnés Publié le 03/07/2016 à 1709, Mis à jour le 07/07/2016 à 1056 le New York City Ballet. Paul Kolnik/The George Balanchine Trust La compagnie américaine au Châtelet et celle de l'Opéra de Paris à Bastille interprètent chacune Balanchine. La coïncidence est passionnante il est extrêmement rare d'avoir la possibilité de comparer, à trois stations de métro de distance, deux compagnies qu'un océan sépare. Surtout lorsqu'elles poussent le jeu à présenter exactement le même répertoire. Au Châtelet, l'original les Étés de la danse accueillent pour trois semaines le New York City Ballet avec grand déploiement des ballets de son fondateur George Balanchine. Au Palais Garnier, la copie si l'on ose dire le Ballet de l'Opéra de Paris fait entrer à son répertoire Brahms Schönberg Quartet écrit par Balanchine pour 55 danseurs, ample réflexion menée avec une gestuelle classique, sur le romantisme et le déclin que clôt une incursion en ce doublé, Balanchine lui-même aurait eu le cœur chaviré. Comme Peter Martins, directeur du NYCB l'a rappelé au début de la soirée de gala, Mr B. aimait dire Paris est la ville que je préfère au monde, mais New York vient d'abord.» Autant dire que le jeu des comparaisons se pratique avec doigté Cet article est réservé aux abonnés. Il vous reste 71% à sa liberté, c’est cultiver sa à lire votre article pour 0,99€ le premier mois Déjà abonné ? Connectez-vous
Danseurétoile de l'Opéra de Paris, Charles Jude est directeur du Ballet de l'Opéra de Bordeaux de 1996 à juin 2017. Après des études au Conservatoire de Nice avec Alexandre Kalioujny, Charles Jude est engagé sur concours dans le Corps de ballet de l'Opéra de Paris (1971).
Emeraudes, Opéra National de Poupeney Joyaux est un ballet en trois parties de George Balanchine, créé en 1967 et entré dans le répertoire du Ballet de l’Opéra de Paris en l’an 2000. Le chorégraphe fut inspiré des joyaux », émeraudes, rubis et diamants exposés dans les vitrines des bijoutiers de la 5ème Avenue de New York et en même temps il voulut rendre hommage à la beauté des femmes, notamment ses ballerines. Il associe les trois pierres précieuses aux trois univers de sa vie les diamants rappellent les fastes impériaux de Saint Pétersbourg, ville de ses débuts de danseur et de chorégraphe au théâtre Mariinsky ; les émeraudes symbolisent la France, pays de son exil et de sa collaboration avec Diaghilev ; les rubis, New York, où il créa le New York City Ballet. Pour Emeraudes, Balanchine choisit comme musiques des extraits des suites de Pelléas et Mélisande et Shylock de Gabriel Fauré. C’est la tradition de l’école de danse française et son romantisme qui prennent le dessus. Arabesques infinies, portés qui restent suspendus dans le ciel, donnent à cette partie une allure de rêve. Les costumes, signés Christian Lacroix, présentent de longs tutus et leurs couleurs vont du vert Nil au vert émeraude ; ils nous emmènent dans les forêts romantiques des Willis ou des nymphes. Rubis est d’un tout autre registre. Ici, c’est l’atmosphère vivace des music-halls newyorkais représentée par le rouge des rubis qui donne son empreinte. Des sortes de guêpières écarlates à petits jupons de satin et de velours, symboles de la liberté du nouveau monde, remplacent les longs tutus. Il Capriccio pour piano et orchestre d’Igor Stravinsky soutient la vitalité de la danse. La troisième partie, Diamants, sur les musiques de la troisième Symphonie, de Tchaïkovski, représente l’apothéose de la Russie Impériale et de sa richesse ainsi que l’héritage classique laissé par Marius Petipa. Tutus classiques, diadèmes, dentelles argentées étincellent avec un art chorégraphique exprimant un pure académisme qui est à son sommet, sous une suite de lumières scintillantes qui dessinent une voie lactée. Dénué de toute trame, Joyaux nous plonge dans une abstraction lyrique aux couleurs des pierres précieuses. Le ballet témoigne d’un style fluide, souple, avec une gestuelle qui ne semble jamais s’arrêter, chaque mouvement ricochant sans cesse sur un autre avec une musicalité exceptionnelle qui fait qu’on a le sentiment de voir la musique se déployer, comme si les corps devenaient un alphabet. Ce qui fait que ces ballets abstraits qui ne racontent rien procurent néanmoins un pur plaisir, celui du mouvement et des couleurs. Voyez la musique et écoutez la danse » affirmait le grande chorégraphe . Le Ballet de l’Opéra de Paris a été protagoniste le mois de juillet dernier au Lincoln Center Festival pour une représentation inédite de Joyaux où il a été interprète d’Emeraudes à côté du Ballet du Bolchoï qui a dansé Diamants et du New York City Ballet dans Rubis. Distribution Emeraudes Danseuses Émilie Cozette, Dorothée Gilbert, Laëtitia Pujol, Alice Renavand, Eleonora Abbagnato, Léonore Baulac, Myriam Ould-Braham, Sae Eun Park, Sae Eun Park, Hannah O’Neill Danseurs Mathieu Ganio, Hug Marchand, Karl Paquette, Florian Magnenet, Stéphane Bullion, Mathias Heymann, Germain Louvet, Audric Bezard, Arthus Raveau Rubis Danseuses Eleonora Abbagnato, Léonore Baulac, Dorothée Gilbert, Alice Renavand, Valentine Colasante, Hannah O’Neill Danseurs Mathias Heyman, Josua Hoffalt, François Alu, Alessio Carbone Diamants Danseuses Amandine Albisson, Myriam Ould-Braham, Ludmila Pagliero, Sae Eun Park Danseurs Mathias Heymann, Germain Louvet, Hugo Marchand, Florian Magnenet Emeraudes, Opéra National de Poupeney Joyaux est un ballet en trois parties de George Balanchine, créé en 1967 et entré dans le répertoire du Ballet de l’Opéra de Paris en l’an 2000. Le chorégraphe fut inspiré des joyaux », émeraudes, rubis et diamants exposés dans les vitrines des bijoutiers de la 5ème Avenue de New York et en même temps il voulut rendre hommage à la beauté des femmes, notamment ses ballerines. Il associe les trois pierres précieuses aux trois univers de sa vie les diamants rappellent les fastes impériaux de Saint Pétersbourg, ville de ses débuts de danseur et de chorégraphe au théâtre Mariinsky ; les émeraudes symbolisent la France, pays de son exil et de sa collaboration avec Diaghilev ; les rubis, New York, où il créa le New York City Ballet. Pour Emeraudes, Balanchine choisit comme musiques des extraits des suites de Pelléas et Mélisande et Shylock de Gabriel Fauré. C’est la tradition de l’école de danse française et son romantisme qui prennent le dessus. Arabesques infinies, portés qui restent suspendus dans le ciel, donnent à cette partie une allure de rêve. Les costumes, signés Christian Lacroix, présentent de longs tutus et leurs couleurs vont du vert Nil au vert émeraude ; ils nous emmènent dans les forêts romantiques des Willis ou des nymphes. Rubis est tout d’un tout autre registre. Ici, c’est l’atmosphère vivace des music-halls newyorkais représentée par le rouge des rubis qui donne son empreinte. Des sortes de guêpières écarlates à petits jupons de satin et de velours, symboles de la liberté du nouveau monde, remplacent les longs tutus. Il Capriccio pour piano et orchestre d’Igor Stravinsky soutient la vitalité de la danse. La troisième partie, Diamants, sur les musiques de la troisième Symphonie, de Tchaïkovski, représente l’apothéose de la Russie Impériale et de sa richesse ainsi que l’héritage classique laissé par Marius Petipa. Tutus classiques, diadèmes, dentelles argentées étincellent avec un art chorégraphique exprimant un pure académisme qui est à son sommet, sous une suite de lumières scintillantes qui dessinent une voie lactée. Dénué de toute trame, Joyaux nous plonge dans une abstraction lyrique aux couleurs des pierres précieuses. Le ballet témoigne d’un style fluide, souple, avec une gestuelle qui ne semble jamais s’arrêter, chaque mouvement ricochant sans cesse sur un autre avec une musicalité exceptionnelle qui fait qu’on a le sentiment de voir la musique se déployer, comme si les corps devenaient un alphabet. Ce qui fait que ces ballets abstraits qui ne racontent rien procurent néanmoins un pur plaisir, celui du mouvement et des couleurs. Voyez la musique et écoutez la danse » affirmait le grande chorégraphe . Le Ballet de l’Opéra de Paris a été protagoniste le mois de juillet dernier au Lincoln Center Festival pour une représentation inédite de Joyaux où il a été interprète d’Emeraudes à côté du Ballet du Bolchoï qui a dansé Diamants et du New York City Ballet dans Rubis. Interprètes Emeraudes Danseuses Émilie Cozette, Dorothée Gilbert, Laëtitia Pujol, Alice Renavand, Eleonora Abbagnato, Léonore Baulac, Myriam Ould-Braham, Sae Eun Park, Sae Eun Park, Hannah O’Neill Danseurs Mathieu Ganio, Hug Marchand, Karl Paquette, Florian Magnenet, Stéphane Bullion, Mathias Heymann, Germain Louvet, Audric Bezard, Arthus Raveau Rubis Danseuses Eleonora Abbagnato, Léonore Baulac, Dorothée Gilbert, Alice Renavand, Valentine Colasante, Hannah O’Neill Danseurs Mathias Heyman, Josua Hoffalt, François Alu, Alessio Carbone Diamants Danseuses Amandine Albisson, Myriam Ould-Braham, Ludmila Pagliero, Sae Eun Park ; Danseurs Mathias Heymann, Germain Louvet, Hugo Marchand, Florian Magnenet PartagerLadanseuse américaine, venue transmettre la chorégraphie aux étoiles de l’Opéra de Paris, a été impressionnée par son charisme. Elle en a parlé à Peter Martins, le directeur du New York City Ballet, qui cherchait désespérément un directeur musical. Quand Peter Martins lui a proposé le poste, Fayçal Karoui a téléphoné à
Andrew Kelly / Reuters Misty Copeland presents a creation during the American Heart Association's AHA Go Red For Women Red Dress Collection, presented by Macy's at New York Fashion Week February 11, 2016. REUTERS/Andrew Kelly Andrew Kelly / Reuters DANSE - "Je fais cela pour toutes les petites filles à la peau brune", répète régulièrement Misty Copeland dans son autobiographie Une vie en mouvement. Vendredi 2 septembre, cette première danseuse du American Ballet Theatre, l'équivalent d'une danseuse étoile, brillera sur la scène de l'Opéra Bastille dans le ballet de Marius Petipa et d'Alexei Ratmansky, La belle au bois dormant. Sa compagnie est invitée pour huit représentations à Paris, elle sera présente dans trois, le 2, le 3 et le 10 septembre. Avant d'en arriver là, Misty Copeland a dû attendre longtemps. 32 ans exactement avant d'être nommée "principal dancer" le 30 juin 2015. Un parcours classique pourrait-on penser. Ce serait oublier la couleur de sa peau qui a été tant pointée du doigt comme un obstacle par le monde du ballet. Et pourtant, l'an dernier, sur la pointe des pieds, la ballerine a révolutionné 75 ans de tradition. Elle est la toute première danseuse afro-américaine à accéder à ce poste tant convoité depuis la création de l'American Ballet Theatre en 1940. "J’ai consacré toute ma carrière à devenir une danseuse étoile à l’American Ballet Theatre car je voulais abattre une barrière qui parait bien souvent insurmontable. Malgré ce que certains ont pu suggérer, la gloire n’est pas mon objectif. Si je voulais entrer dans l’histoire, ce n’est pas seulement en mon nom. En devenant la première femme noire à occuper une telle position dans une compagnie nationale, je pouvais faire un pas en avant pour tous les jeunes et beaux danseurs qui viendront après moi", souligne Misty Copeland dans la préface de son livre. "Je veux leur ouvrir la voie car j’espère que ça facilitera leur parcours. Je prie même pour qu’ils me surpassent car ça signifierait que leurs fardeaux ont été allégés, qu’ils peuvent entrer dans la lumière des projecteurs", revendique la danseuse qui a dû faire face aux préjugés. En les balayant d'un joli coup de pied, elle a ainsi ouvert avec grâce la porte de la danse classique à la diversité. Et ce n'était pas gagné d'avance. Une formation sur le tard Alors que la plupart des petits rats intègrent de prestigieuses écoles dès l'âge de raison, l’étincelante danseuse américaine n'avait, avant ses treize ans, jamais mis les pieds dans une salle de danse. La seule musique susceptible de la faire bouger à l'époque n'était pas celle de Tchaïkovski, mais celle de Mariah Carrey. La sportive qui la fait rêver est Nadia Comaneci, la gymnaste parfaite, pas Sylvie Guillem, la danseuse étoile française. Grâce à la persévérance de sa professeur Cindy, elle se prend finalement de passion pour la danse classique. Et c'est désormais la carrière de Paloma Herrera, nommée danseuse étoile à 19 ans, qui fait rêver Misty Copeland. Un rêve a priori inaccessible lorsqu'on chausse ses premiers chaussons à 13 ans. D'ailleurs, nombreux sont ceux qui ont estimé que sa formation tardive ne pourrait la mener à la carrière qu'elle a aujourd'hui. Ils avaient tort. Un corps différent Parmi ceux qui n'ont pas cru en elle, il y a le très prestigieux New York City Ballet. Ils ne voulaient pas d'elle parce qu'elle était noire, lui expliqua clairement celle qui avait découvert son talent. À quinze ans alors qu'elle souhaitait effectuer un stage d'été dans les grands ballets américains, tous avaient répondu positivement à sa demande, à l'exception du ballet de George Balanchine "qui ne souhaitait même pas qu'elle concoure". Comme celle de New York, nombreuses sont les institutions qui prônent une uniformité dans le ballet. Un aspect essentiel pour certains passages de ballet comme le célèbre pas de quatre du Lac des Cygnes, où chaque danseuse ne doit former qu'une avec sa voisine. Et il faut croire que selon certains de ces célèbres établissements, la couleur de peau ne permet pas cette uniformité. Une exigence d'autant plus regrettable lorsqu'il s'agit d'être étoile, un danseur unique, aux mouvements personnels. Dans ce rôle la différence est un atout. En 2015, Misty Copeland a prouvé à tous ses détracteurs qu'ils avaient eu tort, en interprétant Odette, le cygne qui redevient femme dès la nuit tombée. Le pas de quatre du Lac des cygnes par le ballet du Bolchoï Au-delà de la couleur de peau, d'autres caractéristiques physiques sont souvent demandées par ces prestigieuses institutions. La forme des hanches qui permet une ouverture plus ou moins grande, une silhouette longiligne, un long cou, de grands bras... Des attributs obligatoires selon eux, qui ont brisé bon nombre de rêves. Pourtant, encore une fois, en un tour de pirouette, Misty Copeland a fait disparaître ces exigences vieillottes. Avec ses 1m57, sa poitrine largement plus conséquente que celle de ses partenaires du même niveau, et son corps, à première vue plus proche de celui d'une gymnaste que d'une danseuse étoile, la ballerine a imposé sa différence. Un milieu modeste Élevée par sa mère, accompagnée de ses cinq frères et sœurs, Misty Copeland a été bringuebalée de maisons en motels, suivant le chemin des amants, maris ou compagnons de celle qui l'a mise au monde. Pas tout à fait le milieu doré et rigoureux de l'Opéra. D'abord timide vis-à-vis de la danse, elle va petit à petit éclore à la façon d'un Billy Elliot. Contrairement à la plupart de ses camarades de scène, elle n'a pas été biberonnée à l'éducation de l'histoire du ballet, primordiale pour les danseurs, mais s'est plongée avec envie dans ces histoires lorsque cela fût nécessaire. Un retard facilement rattrapé. Un obstacle de plus abattu. Son parcours, semé d’embûches, a aussi fait d'elle l'étoile qu'elle est aujourd'hui. Pourtant, dès le départ cette vie lui semblait destinée. La silhouette de Misty Copeland est très proche de celle de La petite danseuse, sculptée par Edgar Degas en 1881. Elle ressemble aussi beaucoup à la ballerine parfaite selon le chorégraphe russe George Balanchine "Une petite tête, des épaules tombantes, de longues jambes, de grands pieds et une cage thoracique étroite". Ironie de l'histoire, c'est le New York City Ballet qu'il créa, qui ne prit pas la peine de lever le rideau des préjugés. " La Petite Danseuse de quatorze ans", d'Edgar Degas » À voir également sur Le HuffPost Dan
Àl’aube de cette saison, l’ex-chorégraphe star du New York City Ballet, photographié par Jean-Baptiste Mondino, nous raconte son French dream.
Publié le 19/11/2009 à 1118 Le danseur et chorégraphe français Benjamin Millepied est devenu en peu de temps l'une des vedettes internationales du ballet classique. Étoile du New York City Ballet, il a déjà chorégraphié deux pièces pour le Ballet de l'Opéra de Paris. Le spectacle qu'il présente à Odyssud les 24 et 25 novembre réunit groupe de danseurs solistes de l'American Ballet Théâtre dans un programme virtuose le Duo Concertant » de Balanchine, où la musique de Stravinski ne fait qu'un avec les pas et les gestes, le brillant Steptext » de Forsythe, qui voit s'affronter quatre danseurs et brise les codes du ballet classique, et, Without », création de Benjamin Millepied en hommage à Jérôme Robbins. Cette dernière pièce est traversée de superbes pas de deux. D'une maîtrise technique de haut vol, l'ensemble du spectacle offre une belle synthèse entre ballet classique et langages contemporains. Odyssud à Blagnac les 24 et 25 novembre à 21 heures Tél. 05 61 71 75 15. Infos Pratiques Date 24 nov. au 25 nov.VladimirSkouratoff aura en tout cas formé de nombreux danseurs. Le plus célèbre est probablement Benjamin Millepied, ex-étoile du New York City Ballet et futur directeur de la danse à l’Opéra de Paris, à qui le chorégraphe franco-russe a enseigné les bases de la danse classique à la fin des années 80.Publié le 19/09/2006 à 0600, Mis à jour le 15/10/2007 à 1442 BENJAMIN MILLEPIED, étoile française du New York City Ballet depuis 2002, est ce jeune danseur et chorégraphe très en vue des deux côtés de l'Atlantique et dont on n'a pas fini d'entendre parler. Pass... BENJAMIN MILLEPIED, étoile française du New York City Ballet depuis 2002, est ce jeune danseur et chorégraphe très en vue des deux côtés de l'Atlantique et dont on n'a pas fini d'entendre parler. Passé par trois années au conservatoire de Lyon, il est choisi par Jerome Robbins pour créer le rôle principal de 2 & 3 Part Inventions lors d'un stage effectué à la School of American Ballet, l'école officielle du NYCB qu'il intègre en 1993, avant de rejoindre le Ballet en 1995, à l'âge de 18 ans. La suite, le public la connaît. Ce prodige au nom prédestiné revient à la Maison de la danse de Lyon pour un programme de légende, deux ans après y avoir triomphé avec Danses concertantes et son ensemble d'étoiles et de solistes du blessé à la cheville, Benjamin Millepied, qui aurait dû se produire, sera remplacé. C'est donc sur son seul talent de chorégraphe que les Lyonnais témoins de ses débuts chorégraphiques en 2001 avec Passages pourront l' de parler de ces prochaines soirées, rappelons qu'il vient de signer un Casse-Noisette pour le Ballet de Genève et qu'il prépare une création pour le Ballet de l'Opéra de Paris en novembre prochain. En attendant, ces jours-ci, voici un ballet absent de la scène française depuis vingt ans, un événement donc Fancy Free, chef-d'oeuvre de Jerome Robbins créé en d'emblée comme un mélange de théâtre, d'american way of life et de danse sur une partition de Leonard Bernstein, l'auteur de la musique de West Side Story, on y raconte les aventures de trois jeunes marins en permission dans New York qu'ils visitent pour la première fois. Fancy Free arrive à Lyon fort d'un succès à Broadway et de son adaptation au cinéma On the Town, coréalisé en 1949 par Gene Kelly et Stanley écheveléAutour de Fancy Free, Benjamin Millepied a imaginé reprendre After the Rain du Britannique Christopher Wheeldon qui a rejoint le NYCB et compte à son actif plusieurs dizaines de pièces qui témoignent de sa maîtrise du vocabulaire classique et de son goût pour un langage narratif. Tarantella de George Balanchine dont Benjamin Millepied a interprété les rôles principaux est aussi à l'affiche. Ce pas de deux d'une grande virtuosité s'inspire d'une danse napolitaine, très frénétique, du XVIIe siècle. La vivacité et l'abondance des pas, ainsi que les changements incessants de direction, spécialité de Balanchine, devraient imprimer tout de suite un rythme échevelé à l' regard, Benjamin Millepied propose son pas de deux, Closer, pièce minimaliste, sensuelle et audacieuse sur une musique au piano de Philip Glass. Ce duo qui a déjà fait éclater sa sensibilité musicale et son style néoclassique, hérités du NYCB, fera donc se confronter Benjamin Millepied à ses maîtres. Un beau défi en Biennale de la danse de Lyon, ce soir, les 21, 22 et 23 septembre à 20 h 30, le 20 à 19 h 30 et le 24 à 17 heures. Tél. 04 72 00 21 70. Danto
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Considérée comme l’une des plus grandes danseuses américaines, Maria Tallchief 1925 – 2013 est la première Amérindienne nommée danseuse étoile. Elle est remarquée en particulier pour son énergie et ses grandes capacités techniques. Une jeunesse opulente Osage tribu d’Amérindiens vivant principalement dans l’Oklahoma par son père Alexander Joseph Tall Chief et irlando-écossaise par sa mère Ruth Porter, Maria Tallchief nait le 24 janvier 1925 sous le nom d’Elizabeth Marie Tall Chief, surnommée Betty Marie. Betty Marie et ses cinq frères et sœurs grandissent au sein de la réserve osage de Fairfax, dans l’Oklahoma, au sein d’une famille riche. Leur père possède de nombreuses propriétés, parmi lesquelles le cinéma de la ville, et Betty Marie grandit avec le sentiment que son père possède la ville ». Le ballet Frustrée de ne pas avoir pu devenir artiste elle-même, Ruth initie très tôt ses filles à la danse. Dès trois ans, Betty Marie reçoit des leçons, participe à des camps d’été de ballet et commence à apprendre le ballet. Fillette brillante, elle s’illustre également par ses résultats à l’école, bien qu’elle s’ennuie en cours. Quand Betty Marie a huit ans, sa famille emménage à Los Angeles avec l’idée de faire participer les enfants à des comédies musicales hollywoodiennes. La jeune fille poursuit ses cours de danse et, à côté du ballet, apprend les claquettes, les danses espagnoles et le piano. C’est en étudiant auprès de la danseuse et chorégraphe Bronislava Nijinska que Betty Marie réalise qu’elle souhaite dévouer sa vie au ballet. A quinze ans, elle participe à des ballets mis en scène par sa professeure, au sein du corps de ballet. Le Ballet Russe de Monte-Carlo En 1942, Betty Marie reçoit son diplôme de la Beverly Hills High School, où elle est victime de tant de discriminations qu’elle décide d’unifier son nom Tall Chief, pour l’écrire désormais Tallchief. Betty Marie souhaite poursuivre ses études mais son père refuse ; il estime qu’après avoir payé pour ses leçons de danse, il est temps que la jeune femme trouve un travail. Betty Marie obtient un rôle dans la comédie musicale Lily Mars vedette, mais l’expérience lui déplait et, incitée par une amie de la famille, elle décide de quitter la Californie pour New York. Elle n’a alors que 17 ans. Après de premiers refus, elle se fait embaucher au sein du Ballet Russe de Monte-Carlo dirigé par Serge Denham. Aux yeux de ce dernier, Betty Marie possède un avantage par rapport aux autres danseuses, russes la citoyenneté américaine, obtenue par les Amérindiens en 1924. Les premiers rôles Maria Tallchief et Nicholas Magallanes dans Casse-Noisettes en 1954 Grâce à Bronislava, Betty Marie est rapidement promue au rang d’élève de la danseuse étoile Nathalie Krassovska pour le rôle principal d’un ballet. Cette promotion, attribuée à une danseuse américaine que les danseuses russes considèrent inférieures, ainsi que sans doute son origine lui valent l’animosité de ses camarades. A l’époque, il est courant chez les danseuses de modifier leur nom pour qu’il sonne russe, mais Betty Marie est attachée à son nom et refuse de se faire appeler Tallchieva ». Elle accepte, en revanche, de se faire appeler Maria plutôt que Betty Marie, et devient Maria Tallchief. En deux mois, Maria apparaît dans sept ballets au sein du corps de ballet, et apprend au contact des autres danseuses. En 1943, Maria remplace au pied levé Nathalie Krassovska qui a quitté la troupe ; sa performance, dans le rôle principal de Chopin Concerto, est saluée par la critique, mais Maria retourne au corps de ballet dès la fin de la tournée. George Balanchine En 1944, le chorégraphe George Balanchine rejoint la troupe. Maria est immédiatement séduite par son travail, et le chorégraphe par celui de la danseuse ; il la nomme remplaçante de la danseuse étoile Alexandra Danilova, qui l’aidera beaucoup, et lui attribue des rôles solo de plus en plus importants. Maria Tallchief devient soliste, et obtient un second rôle pour le Ballet Imperial. Maria et George développent une relation de plus en plus profonde et, en 1945, George demande à la jeune danseuse de l’épouser. Ils se marient en août 1946 ; Maria a alors 21 ans, et George 42. Leur union ne durera que quelques années ; Maria se remariera deux fois et aura une fille, Elise Paschen. Ballets de Paris et de New York Maria Tallchief et Erik Bruhn en 1961 En 1947, Maria Tallchief rejoint George, parti travailler au ballet de l’Opéra national de Paris. La danseuse reçoit immédiatement des rôles dans plusieurs ballets comme Le Baiser de la fée ou Apollon. Elle est la première américaine à se produire au sein de cette troupe. Le public et les critiques apprécient ses performances, ce qui ne l’empêche pas de subir le racisme de ses camarades mais aussi de la presse, fascinée par ses origines des journaux titrent Peau Rouge danse à l’Opéra pour le Roi de Suède » ou encore La Fille du grand chef Indien danse à l’Opéra . De retour aux États-Unis, Maria obtient des rôles au sein du New York City Ballet, qui ouvre ses portes en octobre 1948. Très remarquée pour son énergie et ses grandes capacités techniques, Maria devient la première danseuse étoile de la troupe après son rôle dans The Firebird. Elle devient par la même occasion la première danseuse étoile amérindienne. Maria se produit avec le ballet de New York jusqu’en 1960, dans des ballets classiques et dans des rôles créés sur mesure pour elle par George. Elle danse dans le Lac des Cygnes, Orphée, Le fils prodigue, et ses performances aident la carrière de George comme els créations de George aident la sienne. En parallèle, elle se produit à l’occasion avec d’autres troupes, parmi lesquelles le Ballet Russe de Monte-Carlo, le Ballet de l’Opéra de Chicago ou le Ballet de San Francisco. En 1954-1955, elle est payée le plus haut salaire touché par une danseuse à l’époque. Après avoir quitté le New York City Ballet, Maria rejoint l’American Ballet Theatre. Elle effectue des tournées en Europe, en Amérique du Sud, au Japon, en Russie. Fin de carrière A côté de la scène, Maria Tallchief se produit également dans des comédies musicales et dans des émissions de télévision de variété comme The Ed Sullivan Show. En 1966, elle apparaît dans le Cendrillon de Peter van Dijk, l’une de ses dernières performances. Âgée de 41 ans, elle met un terme à sa carrière de danseuse. Après avoir pris sa retraite, Maria se dévoue à l’enseignement et à la direction de ballets. Avec sa soeur Marjorie, elle fonde en 1981 le Chicago City Ballet dont elle est co-directrice artistique jusqu’en 1987. Bien que la compagnie fasse faillite, elle contribue à populariser la danse à Chicago. Maria Tallchief meurt le 11 avril 2013, des suites de complications dues à une fracture de la hanche. Considérée comme l’une des plus grandes danseuses américaines, elle a contribué à briser les barrières ethniques et les préjugés. Nommée au National Women’s Hall of Fame, elle a reçu de nombreux hommages et récompenses, notamment de la part de la nation Osage. Liens utiles Page Wikipédia de Maria Tallchief Page Wikipédia de Maria Tallchief en anglais plus complète Maria Tallchief
LeNew York City Ballet, du swing et du doigté . La compagnie s’installe au Théâtre du Châtelet avec plusieurs pièces de son fondateur, George Balanchine. Par Rosita Boisseau (New York
On parle beaucoup de la France, ce printemps à New York. De la capitale, plus précisément, qui s'affiche au milieu des panneaux publicitaires de Times Square. Une tour Eiffel dans la nuit, deux amoureux. Depuis le 11 avril, Un Américain à Paris, la comédie musicale coproduite par le théâtre du Châtelet est jouée sur Broadway, après avoir été un des succès de l'automne parisien lire Libération du 13 novembre. En traversant l'Atlantique, le spectacle a perdu une vingtaine de minutes, trois musiciens et le surtitrage en français, mais a gagné des gags, de l'expérience et l'envie de retrouver le berceau de son créateur, George Gershwin. De la première au Palace Theatre jusqu'aux salons du Sofitel, reportage dans les coulisses de cette recréation rouge et roulettes françaisesLe soir de la première, à 17 heures. Devant le théâtre, quinze journalistes en robe de soirée hurlent dans leur micro, quinze cameramen en costume-cravate s'entrechoquent devant un cordon de stars qui défile sous leurs yeux. Derrière eux, 1 700 personnes piétinent, ticket à la main, pour pénétrer dans la salle. Nous voilà dans le hall du Palace Theatre, qui donne sur Times Square et ne dépasse pas les 50 m2. Sont attendues pour la première d'Un Américain à Paris des vedettes comme Goldie Hawn, Gloria Estefan ou, dans un autre genre, Michael Eisner, l'ex-PDG de Disney. Lorsqu'une star est identifiée - tâche ardue tant les journalistes sourient comme des comédiennes -, elle passe de caméra en caméra. Certains artistes, moins connus, sont peu sollicités. Un sexagénaire, certainement célèbre dans son esprit, a beau arpenter deux fois le tapis rouge à dix minutes d'intervalle, personne ne le questionne. Au milieu de cette accumulation de tissus pailletés et de dentures resplendissantes, un Black de l'entretien, en polaire élimée, discute avec un gars de la sécurité. Une femme croque la scène à l'aquarelle. La foule s'écarte au passage d'un fauteuil roulant où gît un vieillard en smoking, James M. Nederlander, le propriétaire du théâtre, dont la société possède neuf établissements sur Broadway. Si vous voulez faire quelque chose dans le milieu, il faut être copain avec lui», explique un spectacle a quarante minutes de retard, phénomène rare aux Etats-Unis. La salle, qui a accueilli depuis cent deux ans des artistes aussi divers que Sarah Bernhardt, Fields ou Judy Garland, est pleine à craquer. Y rôderait même le fantôme de l'acrobate Louis Borsalino, qui avait chuté en 1935 sur cette scène, où une douche de lumière éclaire soudain un piano à queue. Brandon Uranowitz, qui interprète Adam Hochberg, musicien juif estropié, lance le show, avant de disparaître avec le piano et le tabouret, tous deux montés sur des roulettes conçues et fabriquées par les ateliers du théâtre du Châtelet», vantera plus tard son directeur, Jean-Luc Choplin, assis dans la salle aux côtés des coproducteurs américain Van Kaplan et Stuart black et monde du balletLe spectacle Un Américain à Paris a, à peu près, autant à voir avec Broadway que Florent Pagny chantant Caruso avec l'Opéra. Pour comprendre la différence entre ce spectacle et un show sur Times Square, il suffit de regarder ce qui y marche. Par exemple Kinky Boots, vainqueur de six Tony Awards en 2013 récompenses consacrées de la comédie musicale et qui triomphe depuis deux ans au Al Hirschfeld Theatre, bondé de touristes. On y voit une troupe d'acteurs-chanteurs-danseurs pris dans un feel-good musical sur le mode Acceptons la différence, comme, par exemple, cette drag-queen black». Les chansons, jouées live et plutôt réussies, sont de Cindy Lauper ; la scénographie, ingénieuse, fait virevolter les décors, et la mise en scène ne manque pas d'idées. Mais le script est maigre, la voix des chanteurs flanche et seules deux danseuses s'en sortent en talons aiguilles. Le sympathique et limité Kinky Boots cherche avant tout l'émotion et l'efficacité. Il y Américain à Paris revendique autre chose.Les spectacles sur une personnalité, ça ne marche pas. Il fallait s'éloigner de la figure de Gene Kelly et du film de Minnelli, pour aller vers la danse, Paris et le personnage de Lise», explique Jean-Luc Choplin, à la manœuvre depuis le début avec le théâtre du chorégraphe et metteur en scène britannique Christopher Wheeldon a, ainsi, déplacé dans le monde du ballet le canevas du film et du poème symphonique de Gershwin. A l'exception d'une scène reprenant les codes de Broadway, canes et claquettes sont ici effacées au profit de pointes et d'arabesques. L'Américain Robert Fairchild, danseur étoile du New York City Ballet, comme le fut jadis Wheeldon, y campe un héros traversant la Libération de Paris et les méandres de ses sentiments amoureux dans le costume d'un Gene Kelly dont il a la lointaine apparence, mais dont il ne partage pas le chemin artistique. La salle du Palace Theatre ressemble davantage à une annexe du Lincoln Center, où l'on présente du lyrique, qu'au Madison Square Garden où l'on propose des concerts. On se croirait à l'Opéra, j'ai jamais vu ça à Broadway», commente un New-Yorkais. C'est extrêmement fluide et la danse est magnifique», commente Helen Mirren, qui joue la reine d'Angleterre à quelques blorcs et qui est arrivée à l'entracte. Un Américain… vise d'évidence une forme de beauté et de dépassement dans le frottement entre classique et moderne. Comme la recherchait jadis tout est amourMon but est de décrire les impressions d'un Américain visitant Paris, ses promenades, les sons qu'il entend et la façon dont il s'absorbe de l'atmosphère française», écrivait le compositeur pour la présentation d'Un Américain… en décembre 1928 à Broadway. Il venait de passer quelques mois à Paris. Sur le conseil de Ravel, qu'il admirait et qu'il avait rencontré à New York, il était venu y suivre les cours de Nadia Boulanger, rue Ballu, célèbre pianiste et pédagogue qui lui apprit n'avoir rien à lui apprendre». De retour à New York, Gershwin mit la dernière main à son poème symphonique, en y incorporant d'ailleurs des bruits de klaxons parisiens. Le plus important, c'est Gershwin, c'est la force de Gershwin, que l'on réadapte ici. Pour moi, New York, c'est lui», martèle Wheeldon, barbichette et veste blanche. Le spectacle intègre, à côté de la partition d'Un Américain…, d'autres chansons du compositeur I Got Rhythm, Liza, The Man I Love. Quatre-vingt-cinq ans après sa création, l'intrication parisiano-new-yorkaise du titre est donc toujours aussi prégnante décor avec lustre à la Sempé, comme sur les unes du New Yorker, ballet final sur un fond inspiré de Mondrian… Y compris dans son mode de production transatlantique.Le seul risque que je prends est de ne pas gagner d'argent», calcule Jean-Luc Choplin. Après un an et demi de discussions avec les producteurs américains, il a monté pour 4 millions d'euros le spectacle au Châtelet, notamment grâce au succès du spectacle de l'humoriste Florence Foresti, quelques mois plus tôt. J'ai tout réinvesti dans Un Américain… merci, Florence !» Après trois mois à guichets fermés au Châtelet, qualifiés de démarrage phénoménal» par Wheeldon, le spectacle atterrit à Broadway pour une durée indéterminée. Déjà rentré dans ses frais sur la séquence parisienne, le théâtre du Châtelet va toucher des royalties sur chaque ticket vendu aux Etats-Unis. Ici, tout n'est donc qu'amour. A la soirée d'après-première au Pierre, restaurant de l'hôtel ultrachic donnant sur Central Park, 1 400 personnes se révèlent tout aussi amoureuses du buffet. Je précise que le Châtelet n'a pas mis un sou dans cette soirée», indique le directeur du théâtre parisien, qui lorgne son téléphone il est près de 22 heures et les premières critiques, décisives pour l'avenir du show, vont paraître sur le de yield management» au petit-déjeunerLe lendemain matin, dans un salon du Sofitel. Gorgeously danced», exhilarating brio», s'enflamme le critique du New York Times dans l'édition papier que Jean-Luc Choplin repose sur la table du petit-déjeuner. Sont assis avec lui Bruno Julliard, adjoint à la Culture à la mairie de Paris, et Sébastien Bazin, à la tête du groupe Accor et président, à titre personnel», du conseil d'administration du théâtre du Châtelet, venus pour l'événement. Ce matin, ils se disent fiers pour le Châtelet», et fiers d'être français». On entend même C'est ce que Broadway attendait un succès de fond, avec un peu de classe.» Rien moins.Ce spectacle est une opportunité exceptionnelle de promouvoir Paris, une pub quotidienne. On devrait installer un comptoir Air France au théâtre, sourit Julliard. Il faut développer ce genre de productions, aussi exigeantes que populaires.» Jean-Luc Choplin détaille son système de coproduction gagnant-gagnant Les Américains ont un spectacle clé en mains. Et nous devrions toucher au moins 500 000 dollars par an [464 000 euros]. Bien sûr, le spectacle peut s'arrêter du jour au lendemain ou, au contraire, continuer, et si la demande est forte, le prix des places peut augmenter.» On appelle ça du yield management, une optimisation de la rentabilité», explique Sébastien Bazin, regard froid et bracelets brésiliens au on demande à Julliard si l'attribution des subventions au Châtelet sera aussi en yield management, l'adjoint à la Culture temporise Il n'y a pas d'ambition d'économies supplémentaires. Au contraire, il faut approfondir le modèle.» Il rappelle que la baisse actuelle des subventions aux théâtres est due à deux difficultés, qu'[il] espère passagères» les répercussions de la crise sur les collectivités, mais aussi l'arrivée dans l'est de Paris de nouveaux équipements culturels [CentQuatre, Philharmonie, ndlr]. Il faut trouver des moyens pour recréer des marges de production».Dans cette période de restrictions, les établissements culturels cherchent des portes de sortie financières Stéphane Lissner, le directeur de l'Opéra de Paris, indiquait ne plus faire la fine bouche au sujet du mécénat ; certains théâtres, comme l'Athénée, ont détaché un de leur salarié pour privatiser le mieux possible leur établissement les temps de relâche… Est-ce à dire que la martingale du Châtelet se trouve dans un système de copro avec Broadway ? Pas du tout, coupe Choplin. Nous avons différentes pistes pour diversifier nos sources, il y a Broadway, mais il y a aussi le désir d'une programmation différente.» Comme par exemple celle de comiques, seuls sur scène et qui dégagent de belles croise les doigts en attendant l'attribution des Tony Awards, en juin. D'ici là, comme l'explique de façon déterminée Bazin, il faut faire connaître ce formidable travail, avec force, mais sans arrogance. Les spectacles du Châtelet sont des sans-faute. Il faut attirer des partenaires, des investisseurs, des coproducteurs».Après New York, le futur du Châtelet pourrait se jouer à Cuba, pour une possible coproduction de Carmen Jones.
EtoileFrançaise Du Ballet New York; Étoile Jadis Francaise; Fin De Ballet Danseur De Ballet Corpe De Ballet Petit Corps De Ballet Celebre Ballet Ballet De Vehicules Ballet Fantastique Un Ballet De Tchaikovski; Final D Un Ballet Classique Final D Un Ballet Finale D'un Ballet Classique Deuxieme Echelon De La Hierarchie Du Corps De Ballet De L
Misty Copeland a été promue mardi danseuse étoile à l'American Ballet Theatre de New York. Elle est la première Américaine noire à accéder à ce titre depuis la création de la célèbre compagnie il y a 78 ans. La promotion de Misty Copeland, 32 ans, a été annoncée sous les applaudissements et les messages de félicitations ont afflué sur les réseaux sociaux, où la jeune danseuse métis est une célébrité elle a abonnés sur Instagram, sur Twitter, et une publicité la mettant en scène l'an dernier pour une marque de vêtements de sport a été regardée par plus de 8,2 millions de personnes sur YouTube. "Merci, merci, merci", a simplement répondu la jeune femme, qui a souvent parlé du fait d'être noire dans un univers quasi-exclusivement blanc. Elle fait partie de la troupe de l'ABT depuis 14 ans et y danse en solo depuis presque huit ans. Misty Copeland veut être un exemple Elle a commencé la danse à 13 ans, alors qu'elle vivait dans un motel de Californie avec sa mère, qui élevait seule ses six enfants. Certains lui disaient que c'était trop tard et qu'elle n'avait pas le bon physique. Mais deux ans plus tard, elle gagnait son premier concours. Elle a fait en avril la couverture de Time Magazine qui l'a désignée comme une des 100 personnes les plus influentes de l'année. "C'est important pour moi d'être un exemple", avait-elle indiqué au magazine, disant espérer "plus de diversité" sur scène et expliquant qu'elle voulait incarner "un rêve" possible pour les Copeland a aussi fait l'objet d'un portrait dans l'émission télévisée "60 minutes", et d'un documentaire présenté au festival de cinéma de Tribeca à New York. Elle a par ailleurs écrit son autobiographie et un livre pour enfants. La semaine dernière, elle était devenue la première danseuse classique noire à danser le "Lac des Cygnes" à la Metropolitan Opera House de New York et elle ne cachait pas ses espoirs de devenir danseuse étoile. "Ma peur, c'est qu'il pourrait se passer encore 20 ans avant qu'une autre femme noire soit dans la position où je suis, dans une célèbre compagnie de danse", avait-elle écrit dans son autobiographie l'an dernier. "Si je ne deviens pas danseuse étoile, les gens penseront que je les ai trahis." Le seul danseur étoile noir ayant jamais dansé pour l'ABT avant elle était Desmond Richardson, recruté comme étoile en 1997. Le premier danseur étoile noir-américain avait été Arthur Mitchell en 1956, pour le New York City Ballet.
ALyon, le chorégraphe français présente trois créations avec ses six danseurs du L.A. Dance Project.
New York - A New York aussi, il est venu le temps des cathédrales plus de vingt ans après son lancement en France, la comédie musicale à succès Notre Dame de Paris a été jouée pour la première fois sur les terres de Broadway, où elle a reçu des ovations. A la fin des aventures de la belle Esmeralda, interprétée par la chanteuse libanaise Hiba Tawaji, et du bossu Quasimodo, joué et chanté par Angelo Del Vecchio, les spectateurs du David H. Koch Theater du Lincoln Center, une institution à New York, ont longuement applaudi la troupe et l'orchestre mercredi soir. Depuis sa création en 1998 par Luc Plamondon et Richard Cocciante, la comédie musicale adaptée du roman éponyme de Victor Hugo a fait le tour du monde, jouée dans 23 pays et en neuf langues, mais c'est en Français, avec des sous-titres sur des écrans, que le public new-yorkais l'a découverte. "J'ai toujours été amoureux de ce spectacle", raconte à l'AFP John Charitable, un chirurgien de 33 ans, qui avait découvert la comédie musicale dans son lycée, au nord de New York, en étudiant l'oeuvre de Victor Hugo. "Depuis, je regardais sur internet plusieurs fois par an si une tournée passerait par ici, et ça n'arrivait jamais ... il y a une ampleur, la profondeur de l'histoire, c'est magnifique", s'enthousiasme-t-il. "Je connaissais toutes les chansons, je connais toutes les paroles, je n'avais pas besoin de lire les sous-titres", ajoute Natalie Vitebsky, dirigeante d'entreprise new-yorkaise de 52 ans, qui attendait le spectacle "depuis 20 ans". - "humilité" - Les tubes de la comédie musicale, "Belle", "Vivre", "Danse mon Esmeralda", ont été chantés sur la scène où se produit d'habitude le New York City Ballet. "Etre ici, c'est essayer avec humilité de rentrer dans ce pays ... qui ne s'ouvre pas si facilement", a déclaré à l'AFP le compositeur musical de "Notre Dame", Richard Cocciante, présent à New York pour la première des douze représentations. Pour lui, ce qui fait la longévité de l'oeuvre, qui a tourné ces dernières années en Chine, en Corée du sud ou en Russie, c'est son caractère "intemporel", une recette mêlant des références à l'époque du roman et des ingrédients plus modernes, dans les costumes, la chorégraphie, les décors ou la musique. "Le thème principal de Notre Dame de Paris, c'est la différence humaine", rappelle-t-il. Le sonneur des cloches Quasimodo, le prêtre Frollo et le capitaine Phoebus convoitent la gitane Esmeralda dans un univers de miséreux et d'étrangers, des "sans papiers" qui demandent l'"asile à Notre Dame". "On a l'impression d'arriver quelque part. Broadway est juste à côté", savoure de son côté Daniel Lavoie, qui joue et chante Frollo depuis les débuts de l'oeuvre. Il rappelle que la comédie musicale avait bien fait un crochet par les Etats-Unis, à Las Vegas, mais "en version écourtée, tronquée, en anglais". "C'était une version édulcorée pour les Américains et qui ne représentait pas l'oeuvre telle que je la connais, je ne crois pas que ça ait marché énormément", ajoute-t-il.nvjH.
